Não chores mais é uma lecture performance que começa com minha primeira memória musical: a canção “Não chores mais”, interpretada por Gilberto Gil e tocada no rádio do meu pai durante nossa primeira viagem em família. A partir desse ponto, entrelaço eventos pessoais com episódios políticos e históricos.

Corpo e gênero são eixos centrais, marcadores de produções performativas que refletem aspirações culturais e sociais e expõem a estrutura patriarcal que busca circunscrever certas experiências femininas — especialmente risos e choros — como sinais de histeria e loucura, visando à desqualificação da identidade e subjetividade.

Durante a performance, enquanto escuto a música, movimento-me entre momentos de choro profundo e risadas exageradas e irreverentes, em uma gradação que gera um sentido de histeria, seguido da leitura de um texto.

Link para o vídeo.

2023
performance
Canteiro / São Paulo, BR

Lusco-fusco é a edição de minha dissertação de mestrado com o mesmo título. Trata de uma constelação de palavras que se movem criando um texto em nuances, em que o significado é item menor.

Pensando que em uma constelação algumas estrelas morrem e esta notícia chega até nós, humanes, milhares de anos depois, que o que vemos do céu é passado, produzo um texto em que certo passado onírico do mundo encontra uma identidade humana e passa a ser uma subjetividade.

   

Trabalho participativo em que a instalação reuniu esculturas de Amuletos eTalismãs exibidas na parede e no chão, junto a caixas preenchidas com objetos, materiais de costura, fragmentos de bordado e quinquilharias de estúdio semelhantes às usadas em Amuletos e Talismãs. Os visitantes eram convidados a criar seu próprio talismã a partir dos materiais disponíveis e a oferecê-lo a outra pessoa.

O processo era simples, porém ritualístico: os participantes criavam um talismã e, em seguida, ou o penduravam
na parede ou o colocavam entre as pedras no chão. Ao oferecer seu próprio talismã, eram convidados a escolher outro em troca, levando-o consigo como gesto de troca e reciprocidade.

O que emergiu foi uma coreografia coletiva de dar e receber — uma dança invisível tecida por gestos, objetos e presenças. Nessa circulação, o talismã se tornou mais do que um objeto de poder:

tornou-se um recipiente para forças invisíveis, uma forma de sintonizar corpos e materiais entre si, abrindo passagens de relação e ressonância.

2024
trabalho participativo
massapê, São Paulo/BRA

Em duas ocasiões, uma em São Paulo
e outra em Igatu, Através da Magia
e Contemplação se desenrolou com
ritmos e durações variados, mas ambas
as experiências integraram práticas de presença, meditação, experiências olfativas, cuidado, desenho e práticas telepáticas.

A proposta foi abrir um espaço de
criação compartilhada em diálogo com
o desconhecido dentro de nós, ativando imaginação e consciência corporal como forças de cura e transformação. A obra concebe a arte como uma experiência viva
e eco-cosmopolítica, na qual a arte-como- cura se afirma como gesto político e poético, nutrindo conexões entre o humano, o coletivo e o mais-que-humano.

   

Ao longo de 8 dias, me reuni com integrantes do G>E_ grupo maior que eu para algumas práticas envolvendo telepatia, sonhos e desenhos.

Ao final, abrimos uma cartografia online com as datas e as pessoas participantes. Constavam os sonhos, os desenhos e as pessoas para quem tínhamos emanado imagens/pensamentos.

Algumas instruções acompanharam o trabalho.

Esta prática faz parte do que nomeei convocação das imagens-forças e das forças vitais, as imagens vitais. As práticas de escuta, encantamento e chamamento do corpo desconhecido/cósmico é a clínica estésica-estética política.

link para a cartografia _práticas de telepatia, sonhos e autodesconhecimento.

— dia 1, abertura do campo e práticas de presença e meditação para ativar a intuição (em grupo);

— a partir do dia 1, antes de dormir, cada participante (em separado), emana imagens para outro participante (escolha aleatória) em uma meditação de até três minutos. Imagine a pessoa escolhida em algum ambiente/ação e insista nesta imagem mental pelo tempo estipulado;

— deixe material de desenho ao lado da cama;

— ao acordar, antes de pisar no chão, desenhe a sensação dos sonhos da noite (não representar algo, desenhar

a sensação dos sonhos no corpo). Em

seguida, escrever o(s) sonho (s);
— de manhã, faça a meditação para

ativar a intuição. Repita as operações até o último dia;

2021
performace participativa 8 dias
instruções, meditação e material para desenho

online / G>E_grupo maior que eu

   

Usando o desenho como recurso e propondo reflexões sobre imagem, representação e a habilidade de presentificar as sensações, me reuni com um grupo de 12 pessoas ao longo de 15 dias.

Uma série de instruções acompanhou a prática. Criar os próprios caminhos perceptivos, duvidando do sistema
visual e convocando forças e percepções de outra ordem – imateriais, cósmicas, desconhecidas.

Esta prática faz parte do que nomeei convocação das imagens-forças e das forças vitais, as imagens vitais. As práticas de escuta, encantamento e chamamento do corpo desconhecido/cósmico é a clínica estésica-estética política.
Desenhos de Leandro Castro, Karlla Girotto, Isabel Teixeira e Danielle Yukari.

— não duvide de sua imaginação;
— escolha coisas vivas: pedras, plantas,

conchas, galhos. Deixe junto com o

material de desenho;
— na roda, de olhos fechados, fale o

seu nome em voz alta;
— toque o próprio corpo e seus

contornos com um pouco de força, o corpo é o nosso índice material de existência;

— massageie mãos, cabeça, face, gengiva, céu da boca, mandíbulas;

— sinta a vibração nas mãos e no corpo, note a qualidade de presença que se instaurou;

— junto com o grupo, entre na

meditação para ativar a intuição;
— ouça a música, deite e relaxe;
— viva cada imagem e pensamento,

mas não guarde para “lembrar

depois”;
— lentamente e no seu tempo e ritmo,

se levante;
— de olhos fechados e tocando os

objetos que você escolheu, um de cada vez, desenhe a sensação e a vibração. Não representar a forma;

— durante todo o período, entre em meditação para ativar a intuição de manhã ao acordar; em seguida, desenhe a sensação dos sonhos da noite;

   

Estou sentada em primeiro plano e, na minha frente, depositados sobre uma bandeja estão pedras de cristal, pedaços de uma falésia, carne bovina, folhas cruas de espinafre e um copo de água.

Ao longo do tempo, como as pedras, como pedaços da falésia, como a carne, como as folhas e a água.

   

Série de objetos produzida a partir de doações de materiais têxteis e de costura, sobras de meu ateliê, frutas da cozinha (tamarindo, limões, cascas de laranja, cajus), pedras comuns e pedras de sal de rocha.

As doações são, em geral, feitas por familiares de pessoas que faleceram, e
há heranças de pessoas falecidas de
minha própria família. São tecidos, toalhas bordadas, botões, caixas de costura, linhas, restos; toda sorte de um tipo particular de quinquilharia guardada durante anos por mulheres que gostam de costura e de trabalhos manuais.

Durante o ano de 2020, quando tivemos que lidar com uma quantidade enorme
de mortes, eu passei a perceber estas peças guardadas em caixas no meu ateliê como preciosidades, pedaços de afetos cristalizados no tempo, vidas encapsuladas na forma de objetos – algo com o qual alguém que já morreu manteve relações fortes de amor, alegria e cumplicidade estética, a ponto de serem guardados por muitos e muitos anos.

Ao juntar algumas partes, eu unia pessoas que não tiveram oportunidade de se conhecer e que, nesse prolongamento inventado, estavam tecendo relações. Prolongamento de uma presença, mas não no mesmo plano; inventei um plano outro, em que existência pudessem ser desdobradas. Foi assim que a camisola de uma tia-avó encontrou os botões da mãe de uma amiga, e a bolsa da família de outra amiga ainda. Integrando as montagens, pedras de sal de rocha.

O sal de rocha é um tipo de cristal minerado em escavações subterrâneas. Ele se forma na ocorrência de um conjunto raro de condições geológicas, quando mares rasos se espalham por extensas áreas de crosta continental e, após longos períodos de evaporação da água, cristalizam em forma de rocha. As pedras de sal usadas em Amuletos e talismãs são provenientes de uma região onde tal formação rochosa data de um período geológico de 96 milhões de anos.

De uso ordinário e culinário, este sal de rocha é um cristal forjado há milhares de anos e é uma pedra viva, que respira e troca umidade com o ambiente. Durante o processo de fatura deste trabalho, percebi que o sal respira com a umidade do ar, alterando as propriedades dos materiais da composição ao oxidar metais, salinizar tecidos e enrijecer linhas; e que, ao colocar as pedras sobre uma mesa ou na parede, esta umidade jorra linhas de água salgada, lágrimas transparentes e quase imperceptíveis a um olhar desatento ou à câmera fotográfica.

Amuletos e talismãs são objetos de poder.

2023

escultura
técnica mista
dimensões variadas materiais têxteis, sobras de
ateliê, frutas, pedras comuns, penas e pedras de sal de rocha

A terra é a pele da terra é uma instalação que contém cinco trabalhos: Chão-amarelo, Chão-terra e A pele é a pele da terra. Todos são de 2024.

Chão-amarelo e Chão-terra, grafados com hífen, são painéis em tela pintados com grossa camada de argila e tapioca.

Os painéis acompanham lateralmente o painel central A terra é a pele da Terra que é um painel em tela pintada com argila, tapioca, sangue, carvão, grafite e óxido de ferro. Distante 60cm deste painel, há um outro, têxtil, confeccionado a partir de meias de nylon femininas costuradas à mão. Entre os painéis, um artefato construído em madeira, cera de abelha, argila e cabelo.


A pesquisa para este projeto instalativo começa em 2016 quando viajei pela primeira vez para a Chapada Diamantina/Bahia e recolho amostras de diversos tons de terra (argila), encantada pela textura do material e pelas cores. Somente em 2024, oito anos depois e após ter estado várias vezes naquele território, me interesso por transformar estas argilas em pigmento.

Ao macerar a terra para coar, decantar e produzir o pigmento, me questiono sobre este ato, já que a pintura não é parte de minhas práticas artísticas (ou não era, até então). Ao me questionar, intuo que não é exatamente sobre pigmentos e pinturas que estou pesquisando e percebo nitidamente que a terra (argila) é a pele do planeta Terra. Lembro, então, de duas peças que costurei para o trabalho O duplo, 2003.

São peças confeccionadas por meio de meias de nylon costuradas à mão umas nas outras com pontos bem pequenos –de várias cores que podemos nomear de tons de peles, desde marrons-escuro à beges-claro. Herdei estas meias de minha avó. Explico: quando criança, pelo furo em uma de suas almofadas, entendi que o recheio das almofadas da casa dela era feito de meias finas. E soube que a minha bisavó era quem recolhia as diversas meias das mulheres da família com as quais recheava edredons e almofadas. Eu passei a brincar com estes recheios a ponto da minha avó ter guardado algumas almofadas para mim, que viraram peças de roupas em 2003.

E a relação que se apresentou entre as meias-finas e a argila ultrapassa, em muito, a relação de cores. Eu passei a perceber a argila como uma pele, ou muitas peles em camadas. Em seguida, percebi que as diversas meias que compõem as peças contam a história das mulheres de minha família, suas peles, suas camadas. Estas meias são do final dos anos 50, começo dos 60, quando a minha família chega em São Paulo, vinda do interior do RN – claro que tem uma questão de clima, de adaptação ao frio vindas de um calor sertanejo, e tem igualmente uma questão histórica, já que neste período as mulheres só saíam às ruas vestidas de meias-fina.

Em A terra é a pele da Terra transformo uma das peças em um painel têxtil e a outra em uma réplica exata do meu corpo, com as mesmas medidas e os meus cabelos em forma de uma peruca. Com as argilas, produzo várias cores de pigmento com os quais pinto três grandes painéis usando tapioca como aglutinante. E, sobre estes painéis, pinto inscrições com o meu sangue. Penso em fundir as minhas mineralidades corporais com as substâncias mineralizadas da terra e, ao replicar o meu corpo a partir das meias das mulheres de minha família, mimetizar e imprimir o meu corpo/gesto ao delas.

    

Fala
fala como a noite fala
fala como a montanha fala
como elas falam e a gente toda entendendo
Cio da terra
Cicio da terra
e as gentes todas entendendo
falar como um maxilar mastiga
fala como a noite, fala!
falar como um osso estrutura
fala como a montanha, fala!
falar como a fruta amadurece
e depois esquece.
Fingir os cachorros que fingem que dormem, no fundo a orelha em prontidão, daí o tom
escurecer como a noite que acende estrelas. Falar como as montanhas, silêncio. Falar como o mar fala
Solfejar como um quadril chacoalha, fala!
Fala como elas dançam:
a montanha, a noite, a terra, o mar, o maxilar, o osso, os cachorros, as pedras.
desassujeitando.
Calar e falar como calam e falam as pedras
Vou te devorar!
No presente, contra o presente e em favor do tempo que virá, que é também presente e passado - uma promessa que não precisa acontecer.
Mover como movem ciclones e constelações

2021
Instalação arte pública
dimensões variáveis
Pedras de garimpo e pigmento mineral à base de argila
Antiga trilha do garimpo, Igatu/Bahia

Fala! foi realizado na residência artística Mirante Xique-Xique, em Igatu/ Chapada Diamantina, vila que se tornou conhecida por ser rota de garimpo até 1940.

O processo de garimpar consiste em quebrar as rochas em pedras menores verificando se há diamante em seus cascalhos. As pedras quebradas foram deixadas ao léu pelos antigos garimpeiros por toda a região de Igatu e assim permaneceram desde o fim do garimpo.

Em uma dessas trilhas, proponho uma instalação feita com estas pedras. Cada pedra foi pintada com uma palavra dentre 180 que compõe o poema Fala! A pintura foi feita com pigmento natural à base de argila, encontrado dentro de uma caverna pelo mestre Chiquinho de Igatu.

É uma instalação a céu aberto que se modifica com o tempo; pessoas levam algumas pedras, rearranjam outras.

Eu sou muitas parte da leitura de A dama do mar, adaptação de Susan Sontag para a obra de Ibsen que narra a história de um homem e uma mulher em um relacionamento abusivo e violento.

Os questionamentos disparados pelo livro e a minha própria experiência em um relacionamento dessa natureza me levou a juntar-me com outras mulheres, todas vindas de contextos abusivos, para elaborar sobre a violência de gênero presente no texto e em seus nossos relacionamentos afetivos. As violências dessubjetivantes, emaranhadas à experiência da leitura, tornaram visíveis reivindicações pessoais e políticas: vida, dignidade, esperança e acordos tácitos de cuidados.



A ideia foi coletivizar experiências, tornar público o que é do âmbito privado e doméstico, fortalecer a presença e elaborar com as participantes a consciência de que um corpo em contato consigo mesmo pode desenvolver possibilidades de gerar liberdade, autonomia e alegria.

Após um longo processo de trabalho envolvendo práticas de saúde, escuta clínica, testemunho como exercício de compartilhamento coletivo, consciência corporal e meditação, as mulheres confeccionaram suas próprias máscaras, criaram fundos/cenários com elementos domésticos como toalhas, lençóis e colchas, e desenvolveram uma gestualidade. Na etapa final desta elaboração, foram construídas imagens fotográficas em colaboração com cada retratada.

Para preservá-las, garantiu-se o anonimato das participantes.

Vermelho-sangue é uma fotografia em que retrato os meus pais com rosto, cabelos e pescoço pintados de vermelho. Ela/e estão vestides com roupas ocidentais urbanas, também em tons vermelhos.

A minha mãe é uma mulher nascida e criada no sertão do RN que migrou para São Paulo, onde conheceu o meu pai, um roceiro do interior. Casaram-se, se filiaram a uma igreja evangélica radical, tiveram quatro filhas e uma vida com muita violência e conflitos – o pai reproduzindo um patriarcado do deuteronômio e um tipo de xenofobia contra a mãe sertaneja, que tentava manter uma certa sensibilidade artística e de vida.

Quando os fotografei, havia já quatro anos que o meu pai tinha sofrido um AVC e dependia integralmente de minha mãe. Neste período, ele tinha desenvolvido uma doçura. Eu estava pensando sobre valor e como atribuir valor a uma relação, às pessoas que importam a despeito de seus gestos e condutas. E valor é algo atribuído, está nas camadas que acrescentamos e tem a ver com afeto amoroso. Pintar de vermelho é sinalizar essa camada, torná-la visível e criar um invólucro. Destituídas desse empenho, dessa camada simbólica, talvez as relações significassem menos.  

Esta imagem representa uma vida, um encontro. Para além da violência e do conflito, também é possível reparar no encontro da pele deles nos braços dados, nas mãos entrelaçadas. Há algo nela que abre perguntas.

2015
Fotografia
60 x 60 cm
Impressão fotográfica Giclèe print em Hahnemühle

OSSOS DO SERTÃO_A CARTA

O trecho que segue é o excerto de uma carta que escrevi para a minha mãe. Eu a convidei para ler e a filmei enquanto isso.
Esta carta relata como eu me deparei com os apagamentos de sua origem sertaneja em mim e também nela e como, mesmo depois de anos, ainda não encontrei a palavra que descreve a experiência de eu ter sido ao mesmo tempo agente e experiência deste apagamento.

2020
7'30
Vídeo
câmera: André Penteado
leitura: Marluce da Silveira Barreto Girotto

Comissionada por Ao Ar Livre, projeto com curadoria de Tiago de Abreu Pinto que ocorreu no contexto do isolamento por conta da pandemia Covid-19 em 2020, a performance consistiu em plantar inhames e cúrcumas em algumas praças e canteiros do Jd. Europa/São Paulo.


1. Este é o bairro que foi construído no final da década de 20 do séc. XX e destinado à classe dominante paulistana – o que se mantém até os dias atuais. Nele, moram ou possuem propriedades, políticos, ruralistas, empresários, corpos diplomáticos, celebridades. Com enorme concentração de riqueza e ruas despovoadas, atualiza com perfeição o conceito de regime colonial capitalístico racializante e classista* que rasga o tecido social brasileiro. Todas as ruas foram batizados com nomes de países ou capitais européias.

2. O inhame é bastante conhecido como um dos alimentos com maior concentração de ativos depurativos, com propriedades desintoxicantes, analgésicas, anti-inflamatórias, entre muitas outras. A cúrcuma é um alimento riquíssimo e praticamente sagrado para os adeptos da ayurveda (medicina ancestral indiana), tem variados usos medicinais atuando principalmente em tecidos inflamados.

3. Entre os agricultores, costuma-se dizer que os tubérculos “dormem” no inverno (de maio a agosto) e começam a brotar a partir de setembro, sendo outubro e novembro os meses de seu auge. O plantio destes tubérculos em agosto traz a informação de que estarão dormindo pelos próximos meses mas isso significa também que enquanto dormem, eles multiplicam em 20 mil vezes a sua potência de criação (nutrientes e substâncias) porque precisarão desta força para perfurar a terra e brotar.

4. No começo de março/abril, quando as pessoas puderam se dedicar ao confinamento, foi muito impactante saber que a terra mudou a vibração sísmica, os ruídos na crosta terrestre diminuíram. Um amigo comentou: “imagina se todas as pessoas do planeta pudessem pisar com os pés descalços na terra ao mesmo tempo, um acontecimento surgiria, uma vibração outra.”

5. Eu penso na cura como algo molecular, sutil – um espaço interseccional e micropoliticamente produtivo –, um tipo de ensinamento que se instaura e reorganiza aquilo que estava doente, a anomalia. Não é um apaziguamento nem um fechamento, é sustentar uma vibração até que uma irresolução possa se tornar um acontecimento de outra ordem, da ordem da vida

2020
Performance em espaço público
00:40h
Inhames, terra e Material de jardinagem
São Paulo/SP

A ação é acompanhada de um texto:

Experiência do agora. A gente sabe. E é porque somos habitadas por um corpo anterior ao corpo-vida-agora e ele é o que sabe. Ele come inhame e se lambuza, o corpo que come e desinflama, expurga, expulsa o pus que o corpo-vida-agora produz.

Nós, o corpo-inhame, reivindicamos as palavras e a nossa baba é pura matéria mole mastigável em nossa boca e língua. Palavras atravessam nossa carne e regurgitam massas fermentadas em expansão de organismos vivos. Pedaços inteiros de vida caem de nossas entranhas e fazem seus caminhos na terra. Cuspimos longe e cuspimos perto, traçamos rotas e caminhos. Cuspimos na terra as nossas inflamações e ela nos devolve plantas imensas com seus sumos roxos, vermelhos, pretos escorrendo por cima dos nossos corpos. O corpo-inhame e o corpo-pus. A-gente agora somos muitas, a-gente somos plantas e juntas, nos curamos;

Reivindicamos viver por nós mesmas, viver e continuar, que parem de nos matar! Cuspimos organismos vivos fermentados na cara de quem mata. Reivindicamos habitar os ocos e as covas e buracos, estar perto das velhas donas dos mundos, as que sabem usar o fogo e os ventos – reivindicamos habitar todos o mundos.

Carta à Futura é um texto escrito no gênero feminino. A língua portuguesa flexiona para o gênero masculino e isso significa que seres, objetos e entidades quando em coletivos são escritos e falados no masculino.

Carta à futura é dedicada a mover a língua e a escuta em direção a um exercício de tônus e tonalidade ligados ao gênero feminino. Ao retirar o que masculiniza a linguagem, pretende fazer surgir uma nova musculatura corporal, ensinando o corpo, através da língua, a produzir novos gestos e figuras.

2022
Livro e áudio
Livro tiragem 60, Editora n-1
Áudio 00:35h

É uma peça de performance-dança baseada em encontros semanais com um grupo de dançarinos de salão idosos, a maioria deficientes visuais, junto a outres artistes que se juntaram ao trabalho.

Questionando a ênfase no sistema visual adotada pelo ocidente, adoto como estratégia a ampliação de práticas de toque e presença, no intuito de dar a perceber as relações/percepções de outra natureza que poderiam emergir nestes encontros.

Produzida em três movimentos: o tempo da pedra, o tempo da montanha e o tempo da dança, cada um deles pretendendo explorar nuances de tempo, presença e encontro/desencontro, ritmo ou arritmia.

O tempo da pedra é uma prática de eutonia de 60 minutos. Auxiliados por instruções vocais, os dançarinos entram em contato com movimentos, vibrações e informações moleculares do próprio corpo: o som da respiração, o tamanho do fígado, os ossos que se entregam ao chão. O público entra no espaço no 45° minuto e presencia o final desse movimento.

No tempo da montanha, há a busca de uma relação entre corpos e a possibilidade de estabelecer contato e movimento pelo toque. O tempo geológico é invocado, ampliando a extensão de gestos e deslocamentos.

No tempo da dança, ouvindo músicas diferentes em fones de ouvido, os dançarinos dançam juntos ou sozinhos, enquanto eu canto um único verso da canção Vapor Barato, de Jards Macalé e Waly Salomão: Oh, sim, eu estou tão cansada., acompanhada por uma musicista.

O cochilo é fruto de um workshop realizado na residência artística do Museumsquartier em Viena.

Propus aos participantes que dormíssemos por duas horas na porta de entrada principal do Leopold Museum.

A proposta foi repensarmos as maneiras de perceber e experimentar a realidade a partir da perspectiva ocidental – que aposta na supremacia da visão sobre os outros sentidos, conceito bastante reproduzido por instituições de arte brancocentradas.

Um amontoado de pedras é recoberto por tecido; a costura é aparente e irregular. Cada pedra carrega uma palavra. Originalmente, juntas, elas formam um texto intitulado Poema silenciado. Folhas datilografadas empilhadas ao lado das pedras repetem este texto. Mas ele não pode ser lido: os parágrafos estão cobertos por traços de caneta que transformam a caligrafia em desenho. Exceto o último. Nele, se lê: "Um grito escarrado de garganta aberta, é preciso abrir a torneira, deixar o jorro sair, a água engolir a boca em ato de palavra formada. É preciso que a água invada a boca inteira para que a palavra produzida ali esteja toda já diluída. Não é palavra que precisa nascer, é palavra que precisa morrer".

O silenciamento imposto às palavras escondidas nas pedras repete e reitera outro, presente nos relacionamentos violentos e abusivos. Repetir esse apagamento, tornando público apenas o parágrafo final, sugere a relação entre o direito à palavra e à vida. E também o avesso: que a palavra, como linguagem hegemônica, pode carregar sentenças de morte, ao soterrar imagens, significados, lapsos, produções inconscientes.

O número de folhas empilhadas corresponde ao número de tentativas da artista de reproduzir o poema sem errar a datilografia.

Em Vermelho, a artista trabalha um tipo de invenção de uma cultura transitória correlacionando história familiar, arte, ficção e materialidades.

Após ter vivido uma experiência de violência e trauma, pintou partes de sua casa e todas as suas portas de vermelho. Um gesto na direção de emular proteção e aquecimento para o ambiente e que se estendeu para o seu próprio corpo.

À este primeiro gesto de proteção e aquecimento, somou-se ainda o desejo de identificar pessoas e objetos importantes em sua vida e também pintá-los de vermelho, como um marca-texto existencial, pintando inclusive os próprios pais.

Carrega uma certa insistência no tempo, entre permanência e mudança, e instaura um ritual de auto reconhecimento em que para se afirmar o mesmo é preciso ser sempre outro.

2015
giclee print
60 x 42 cm

Durante residência artística no Museums Quartier, em Viena/AU, dormi em vários monumentos históricos da cidade: na escadaria da Biblioteca Nacional, na Heldenplatz, bem abaixo do balcão onde Hitler discursou para 90% da população vienense em 1938; no monumento representando Mariahilfer também na Heldenplatz; nas escadarias da Prefeitura da cidade; na janela do Museu de História Natural e nas escadarias do Museu Nacional de Arte.

2015
Performance
00:30H cada
Heldenplatz, Viena/Áustria
Escadarias da biblioteca nacional, Viena/Áustria
Museu de história natural, Viena/Áustria
Monumento em homenagem à Mariahilfer/Áustria.

Um concurso de dança que dispensa concorrentes. A artista compete apenas com ela mesma, dançando durante todo o período em que a exposição fica aberta ao público.

O público pode interagir e dançar com a artista, seguindo as instruções disponíveis no espaço:
Você pode manipular a artista
/ ao escolher uma peruca, roupa ou acessório e pedir que ela vista
/ ao escolher a música de uma playlist
/ ao ser o par que dança com ela
A artista pode manipular você
/ ao se recusar a dançar com você
/ ao se recusar ou não a alterar a própria imagem
/ ao escolher a música da playlist
/ ao dançar com você até que você não aguente mais

Com o mesmo fio, e a partir de pontas opostas, um casal tricota cada um a sua própria roupa, em paralelo. Para construir a própria roupa – descobrem –, é preciso desconstruir a roupa do outro, em um processo lento e infinito.

O estrangeiro é um objeto mas, também, um virtual, já que articula dois elementos – mar e céu – que, apesar de relacionados a sua função, não estão presentes na narrativa visual.

Uma jangada suspensa por balões povoa o espaço aéreo de uma piscina pública. Mesmo que, com o passar dos dias, aconteça uma lenta aproximação em direção à água, à medida que os balões murcham, o objeto não completa sua narrativa e nem cumpre sua função.

O tempo é o agente do acontecimento. Expectativa é uma relação com o futuro, o vislumbre de uma possibilidade; instaura uma crença e exige confirmação. Sucesso é uma expectativa que se concretiza. O estrangeiro propõe um encontro com estes tempos: aquilo que instaura novas possibilidades mas, não existindo como materialidade, pode ou não se atualizar em algo. Nessa relação contínua, a ideia de origem não tem lugar seguro.

Onze trilhas sonoras diferentes cujo conteúdo remete à trilhas de filmes e nomes, à emoções e ambientes: brutalidade, cansaço, vida, alegria, arrebatamento, fome, tempo, saudade, amor, escuridão, bagunça. A ideia é que se escolha uma delas para ser ouvida enquanto se assiste ao vídeo Os amantes e Luvas.

Junto aos discos, a legenda:
Você pode manipular as suas sensações:
. escolha um disco
. bote para tocar
. assista ao filme
. se quiser, repita a operação

Em colaboração com o Como Clube (2009-2014) e partindo da prática de desenho vivo, o Como Clube do Desenho tem como intenção distorcer percepções e sensações do público da 31a. Bienal de São Paulo ao fornecer material de desenho enquanto performers criam cenas instantâneas.

Obras, ambiente, público e arquitetura são deslocados de seus territórios originais – mesmo que pela transitoriedade de algumas ações.

Em um jardim, uma mulher dorme guardada/observada pelo seu gato. Dentro da casa, no banheiro, dez gatos negros observam dez pássaros brancos que voejam perto do teto, protegidos por um tule.Ao acordar, a mulher coloca uma dentadura e alianças de ouro; pula a janela e solta o gato branco no banheiro com gatos e pássaros.Um acordo estabelece aproximações – entre mulher e animais, entre os próprios animais – e atualiza todos os acordos da ordem natural do mundo. Não há mediação da artista ou da performer, mas uma aliança com o intempestivo.Microscópio trata de aproximações e distanciamentos entre formas e forças. Investiga na ação de aproximar e distanciar os elementos presentes no campo performativo. Aquilo que é da ordem do visível e da representação e, portanto, tem relação com formas e pode existir materialmente; e aquilo que tem a ver com forças e é uma manifestação – presente mas impossível de materializar. Este jogo de relações é tratado como irresolução necessária, e não como apaziguamento.

Reúne diversos livros e materiais, principalmente tecidos, colecionados ao longo de 20 anos.

A característica de todo pombo-correio é que eles têm a capacidade de voar por muitos quilômetros com o objetivo de retornar ao seu pombal de origem. Eu contratei "os serviços" de 250 pombos-correio que foram soltos na Galeria Vermelho e voaram para o pombal de origem, no bairro vizinho ao que nasci e cresci, na Zona Leste de São Paulo, subúrbio da cidade.  

É um percurso de cerca de 15km que depois eu percorri a pé. Nesta época, eu morava perto da Galeria Vermelho, Zona Oeste da cidade.  Este trabalho tem a ver com origem, memória e deslocamento periferia-centro.

Um binóculo da década de 70 sofreu uma intervenção em suas lentes e o observador, ao ajusta-lo aos olhos, enxerga uma palavra e uma seta apontando para cima. Para qualquer objeto ou lugar que se aponte o binóculo há o lembrete proposto pela palavra e pela seta.

Uma cama e um ataúde vertical abrigaram por uma madrugada duas mulheres ao mesmo tempo em que um fauno percorria o perímetro externo da galeria.

O fauno tem como função velar pelo sono das mulheres e imantar o “espaço da arte” de certa presença selvagem e insondável, misto de homem e bicho.

Não houve público nem houve registro da ação.